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Un petit exercice très simple à nouveau :

Le but sera de faire un mi en 1e position avec le 1e doigt sur la corde de Ré.
Je place mon bras gauche le long du corps puis je décide de jouer ce mi. Que se passe-t-il dans le déroulement de mes actions ? Ai-je bien chanté le mi dans ma tête (ou à haute voix, au besoin) avant que ma main ne commence à se diriger vers le mi ? Ai-je pris le temps de me représenter la place de mon doigt sur la corde (sans regarder la corde) avant que ma main ne commence à faire le moindre mouvement? Suis-je capable de ressentir l’ensemble du mouvement que le bras doit effectuer pour conduire le doigt à sa place avant de le faire réellement? Si la réponse est non alors il faut remettre de l’ordre dans tout cela ! Le corps est extrêmement efficace s’il connaît la finalité d’une manœuvre mais s’il l’ignore il devient peu fiable et tendu. Lui donner pour seule consigne « je veux jouer un mi » n’est pas très explicite parce que pas assez concret.
Pour résumer, nous avons besoin de plusieurs éléments pour assurer notre justesse : l’écoute interne de la hauteur de la note que nous désirons jouer, sa place géographique précise, et également la sensation anticipée du geste à faire pour aller à la bonne place. Tout ceci, dans un premier temps, avant que le moindre mouvement n’ait encore eu lieu.

Bien sûr, vous utiliserez ensuite cette façon de faire pour tout déplacement sur le manche et vous le ferez en prenant le temps de vous arrêter avant chaque geste afin de prendre l’habitude de bien conscientiser cette manœuvre.

Méandres Musicaux

Trouver l’équilibre entre « appuyer » nos doigts et « laisser passer le poids » dans nos doigts est un soucis constant qui peut poser bien des problèmes. Notre fluidité de jeu, notre qualité de son et notre bien-être physique et psychique gagneront évidemment à savoir utiliser la deuxième solution.

Posons-nous la question de la façon dont nos doigts de la main gauche agissent entre le poids que leur apporte le bras et la corde :

Bien sûr ils sont sans cesse en mouvement. Ils doivent savoir quitter ou rentrer dans la corde avec rapidité. Ils doivent en même temps savoir être indépendants les uns des autres ou au contraire s’unir pour tomber en même temps sur la corde. Ils doivent pouvoir être enfoncés suffisamment dans la corde pour que le son soit clair. Ils doivent aussi savoir glisser sur la corde pour les déplacements. Tout ceci en évitant de crisper le bras, la main ou les doigts. Le poids est amené dans la main par l’intermédiaire du bras qui, lui, est aidé par l’omoplate, le buste, voire l’ensemble du corps via de micro-mouvements. Ceci peut se faire relativement facilement sans efforts disproportionnés.

Mais quid de l’articulation de la base de nos doigts ? Celle qui se trouve être la zone en mouvement et qui ne doit pas pour autant engloutir l’apport du poids qui arrive en amont ? Comment garder la plus grande partie de cet approvisionnement en poids dans ces quatre petites choses que sont nos doigts sans les rendre gourds et tendus ?

Voici une petit expérience pour résoudre ce problème :

Posez vos doigts de la main gauche sur votre bras droit, comme si celui-ci était votre touche. Enfoncez-les tout d’abord : conscientisez l’effort et constatez la sensation de tension de vos doigts : elle est très forte. Beaucoup de muscles rentrent en travail y compris dans votre main. Le pouce se tend lui aussi.

Maintenant sentez que l’articulation de la base de vos doigts (et également des autres articulations des doigts, bien sûr) peut simplement être en situation de résistance entre le poids amené par le bras et la main, et la corde de l’autre côté. Faites à nouveau le constat de l’état de vos doigts : vous allez peut-être réaliser qu’ils sont beaucoup moins tendus, et que les muscles de la main ne font pas du tout le même effort. Quant au pouce il ne se sent plus tellement concerné par ce geste.

Ce serait donc la solution à chercher !

Essayer de bien sentir le déroulement de cette résistance soit en partant du bras vers la corde soit en partant de la corde vers le bras.

Vous verrez aussi que lorsque vos doigts quitteront la corde, ils auront sans doute bien moins de peine à se détendre avec rapidité ainsi que la paume de votre main. Peut-être même auront-ils moins de mal à garder leur forme arrondie : le jeu sera plus pneumatique et vos doigts et votre main vous remercieront !

Le cadeau est bien sûr que le processus est identique du côté droit avec l’archet : Inutile de serrer les doigts et la main : ils doivent juste résister, faire un pont de poids entre votre bras et la baguette.

Et votre main trouvera certainement plus vite la solution si vous avez bien étudié le problème à gauche.

Méandres Musicaux

Pour cette semaine, qui correspond plus ou moins à la rentrée, reprenons un peu les basiques.
Se pencher un peu sur le rythme ne fera peut-être pas de mal…

Ce qu’on appelle le rythme c’est, d’une part, la dynamique et d’autre part, savoir faire dans un temps donné (dans une pulsation, donc) des divisions égales ou inégales. C’est également, en pensant plus large, donner la notion de la mesure, avec ses temps forts et ses temps faibles. La combinaison de tous ces paramètres provoque des appuis et des relâchements indispensables pour que la musique reste vivante et tonique.

L’exercice est simple : Nous allons faire des croches sur cordes à vide (puis des notes diverses en variant de plus en plus souvent une fois que tout va bien, de façon à rajouter un élément qui peut créer une difficulté).

Nous avons le choix entre faire des croches dans une mesure binaire (2 croches par temps) ou des croches dans une mesure ternaire (3 croches par temps). Commençons par travailler cette différence de façon à la rendre audible.

Puis, nous allons rajouter un élément en décidant que nous sommes dans une mesure à 2/4. Le temps fort sera sur la 1e croche du 1e temps. Nous allons donc la propulser un peu plus que les autres (et non pas l’appuyer ni la ralentir, ni l’accélérer …). Les autres croches de la mesure se jouent avec seulement l’intention d’aller jusqu’au retour du 1e temps de la mesure suivante. Mais il faut pourtant créer une petite impulsion aussi sur le 2e temps comme nous l’avons fait dans l’exercice précédent pour faire comprendre que nous jouons des croches en binaire …
Maintenant , essayons la mesure à ¾ : le temps fort est sur la 1e croche du 1e temps, le 3e temps ramène avec un élan la mesure suivante. Malgré tout nous devons bien garder dans notre archet la notion des groupements (réguliers! ) par 2 croches.
La mesure à 4/4 à présent : la 1e croche du 1e et du 3e temps est forte mais le 3e temps est un peu moins important que le 1e temps. Le but est toujours d’atteindre la mesure suivante, de façon à différencier le 4/4 du 2/4…

Faisons maintenant la même chose avec les mesures ternaires :
Le 6/8 avec ses 2 temps composés de 3 notes de valeur égales (que nous avons expérimenté dans le premier exercice). A nouveau, la 1ere croche du 1e temps est pneumatique et le reste suit mais nous groupons toujours les notes par 3 (sans alourdir, toujours, et sans dérégler la régularité !)

Le 9/8 dans lequel l’impulsion est sur la 1ere croche du 1e temps et où les 3 croches du 3e temps ramène la mesure suivante.
Le 12/8 avec ses 2 temps forts sur les 1e et 3e temps….

Les mesures ternaires sont plus dansantes que les mesures binaires qui sont plus carrées. Nos gestes seront différents.

Maintenant le jeu consiste à faire deviner à un auditeur quelle est la mesure que vous êtes en train de faire. Avec quelques difficultés bien sûr entre par exemple le ¾ et le 6/8… La différence sera peut-être essentiellement audible par l’intention que vous donnez ?

N’oubliez surtout pas qu’il n’est pas nécessaire de faire les choses exagérément pour se faire comprendre, bien au contraire…

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Posons -nous la question de savoir si, lorsque nous jouons un morceau, nous sommes certains que les consignes que nous devons nous donner à nous-mêmes en permanence sont parfaitement claires et réellement aidantes.
Nous avons besoin, en continu, d’un bon GPS qui va nous donner les consignes de notre jeu tout au long de notre voyage et les moyens de les réaliser : « Dans la mesure suivante, c’est là que le doigté change et je dois mettre un ré 1e doigt au lieu d’une ré 4e doigt »… « Attention le bariolage est dans 2 mesures et je dois prendre la bonne place d’archet »… « là, ne pas oublier de détendre le bras gauche pour préparer le démanché » … «  C’est l’endroit où le coup d’archet sur le temps fort se fait une fois en tirant une fois en poussant  »… « ah oui ! c’est là qu’il faut aller à la pointe »… « ah oui ! Attention au doigté ici, je l’ai bien en tête »… « Ah oui ! C’est là qu’il y a ce fameux fa# »…

Tout notre parcours doit être clairement énoncé, en temps réel (mais anticipé ) et à chaque fois que l’on joue.
Plus la formulation est claire, plus nous serons apaisé dans notre jeu.
Mais nous n’avons pas non plus le temps de nous perdre dans les détails pendant l’exécution de notre morceau puisque la musique avance inexorablement !
Il faut donc procéder en deux étapes : d’abord travailler consciencieusement chaque élément, technique ou musical, en énumérant, à haute voix et précisément, les gestes que l’on veut faire, sans rien omettre :  « maintenant je vais faire …..». Puis, trouver une phrase raccourcie (ou un système de pensée personnel ) qui ne dira plus que les éléments essentiels pour réaliser le geste, mais qui contiendra tous les autres.

Autrement dit, pour un démanché par exemple, le premier travail peut consister à dire : « je vais aller en 3e position sur la corde de Ré, avec un 1e doigt je fais donc une substitution entre mon 4e et mon 1e doigt / j’ai bien la hauteur du Ré en tête / attention à l’archet qui doit aider au lieu de s’arrêter / mon bras gauche doit sentir le geste avant/ attention au son/  je sais que le Ré est là / respire !» etc. Puis tout ceci pourra se résumer en un : « substitution 4/1 » si ce contenant implique toutes les autres formulations précédemment énoncées.

La difficulté peut être de ne pas se tromper sur les éléments à conserver dans notre raccourci final. Souvent plusieurs expérimentations peuvent être nécessaires pour trouver ce qui sera le plus pertinent pour notre tête, notre corps et notre mémoire. On voit, pour reprendre l’exemple du GPS ,que celui-ci ne nous donne pas toujours les bons indices pour comprendre où il faut aller !! Tâchons d’être plus efficace que lui !

D’autre part il est primordial de penser notre phrase au moment ad hoc. Et, à nouveau, le GPS peut nous aider à comprendre : si l’énoncé est entendu trop tard, on rate la route ou, pire, on a un accident.. De même, si je pense trop tard mon corps n’a pas le temps de se préparer et je me mets en tension.
Il faudra donc aussi inclure dans notre travail cette recherche du « bon moment ».

Tout ce travail de détail ne doit pas non plus nous faire oublier la vue d’ensemble, la suite et la fin de la phrase, le passage à la phrase suivante, le plan général de l’œuvre. Nous devons en même temps avoir une vision panoramique du déroulement de notre morceau et pouvoir en formuler tous les détails.

Dans la conduite automobile il est toujours conseillé de voir venir la route vers nous plutôt que d’aller vers elle. Au niveau de notre conduite musicale, cela sera obtenu par une bonne connaissance de ce qui nous attend de façon à aborder les choses, à chaque fois, avec anticipation et sérénité.

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Je vous propose de mettre votre archet à environ 40 cm au dessus de la corde, au dessus du talon.

Dans cette position vous êtes encore loin de l’instrument. Et donc, pas nécessairement très en lien avec lui. Maintenant, très lentement, descendez votre bras et donc, votre archet, vers la corde de votre choix. Soyez précautionneux et attentif à chaque instant. Votre mouvement ne doit pas provoquer une seule ride dans l’air ! Faites ceci comme si vous vouliez approcher votre main d’un animal sans l’effrayer, par exemple. N’oubliez évidemment pas de respirer tranquillement… A un moment, à une certaine distance de la corde, vous allez sentir que vous arrivez dans une sphère plus dense, plus sensible. Ça y est ! Vous êtes dans l’intimité de votre instrument ! Très curieusement vous allez probablement ressentir la même chose que si vous faisiez la même manœuvre vers une autre personne : si vous vous approchez de quelqu’un très lentement et en étant très concentré, vous sentirez exactement le moment où vous rentrez dans sa bulle personnelle. La taille de la bulle n’est pas toujours la même entre chaque individu. C’est toujours une sensation particulière et, émouvante, d’ailleurs. Lorsqu’on fait cette expérience avec un être humain, on sent bien que cet espace de proximité est privé et qu’on ne peut y pénétrer qu’avec précaution et autorisation implicite de l’autre si l’on veut être respectueux. Il en va exactement de même avec votre instrument. Ce n’est pas très explicable… mais à chaque fois que j’ai fait faire cet exercice à quelqu’un, il a ressenti ce moment précis d’un premier contact avant de toucher la corde. En étant conscient de cette bulle, nos mouvements ne seront-ils pas plus vivants et plus pertinents ?

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L’archet doit trouver la bonne façon de jouer avec la corde. Il ne s’agit pas simplement de glisser car il faut bien sûr que la corde se mette en vibration. Une fois que la corde tourne (dans le 10e de seconde qui suit notre prise de son!) nous nous retrouvons tel le surfeur sur la vague : il ne faut pas déséquilibrer le mouvement pour rester sur la crête. Chaque archet devra donc commencer par une petite consonne comme un « k ». C’est ce qui donnera à notre son sa personnalité et sa tonicité.
On travaillera cette prise de son en commençant simplement sur une corde à vide en petits détachés. On arrêtera l’archet sur la corde avant chaque nouvelle tourne, en gardant le même poids que l’on soit en mouvement ou à l’arrêt. Il suffit juste de s’arrêter vraiment et de sentir le contact stable. Ainsi au démarrage de l’archet suivant, très naturellement, la corde, par sa mise en mouvement nette, créera cette consonne. On réduira progressivement ce temps d’arrêt en ayant simplement l’oreille à l’affût de ce « k ».

C’est ensuite à nouveau l’oreille qui nous guidera pour maintenir le son timbré (la corde qui continue à vibrer avec tout son faisceau d’harmoniques) obtenu grâce à ce démarrage.
Il est tellement étonnant de constater que souvent, ce que l’oreille veut, le violoncelle le veut !

On peut comparer ce travail de l’archet et de la corde au fait de marcher soit avec des patins, soit avec des bottes en caoutchouc sur de la glace : Imaginez-vous marcher sur une patinoire en bottes. A chaque tentative de nouveau pas, vous allez glisser sans adhérer et ne pas être capables de garder une trajectoire précise. Alors que les patins, capables de mordre la glace au début du pas, vous permettront le contrôle de vos mouvements, leurs directions, leurs arrêts, les sauts, les virages … Tout est contenu dans le premier contact du patin dans son support.

Cette image très simple fonctionne souvent et je vous conseille de l’essayer !

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Le problème du rythme avec notre instrument à cordes est particulièrement complexe : on peut être « bon en rythme » en solfiant et ne pas retrouver cette qualité dès que l’on joue.
Il faut dire que l’archet ne nous facilite pas la tâche !
Le problème principal est bien sûr celui de cette vitesse du bras qui n’est pas constante parce que nous devons avoir les bonnes places d’archet, les bons élans, les bonnes nuances, etc. Une pulsation régulière et stable et des gestes irréguliers dans leurs vitesses sont quand même une sacrée gageure ! Cette vitesse du bras droit, très changeante, entraîne aussi dans l’ensemble de notre corps des différences de tonicités. Tenter de concilier cela avec la pulsation régulière de la musique peut mettre de l’eau dans le gaz…

D’autre part, tirer et pousser l’archet se faisant de façon différente pour la main, cela peut aussi avoir tendance à dérégler notre régularité. Ainsi que certains bariolages assez déstabilisants : pousser en liant 3 cordes en montant demande au bras en même temps de baisser quelque chose et en même temps de monter vers la corde aiguë : on comprend que le bras se trouve par moment perplexe et embarrassé!!!

Et puis tous ces cas de figure au cours desquels rien ne se passe à la main gauche alors qu’on entend une nouvelle note (lorsqu’on passe par exemple par une corde à vide, ou qu’on laisse un doigt sur une corde pour aller sur une autre parce qu’on revient ensuite à la première ) : C’est totalement déconcertant ! Ou cet archet qui fait une blanche alors que la main gauche joue un autre rythme pendant ce temps-là : notre cerveau doit être perplexe tant qu’il n’a pas compris ce qui se passait en réalité de façon à trouver les bons repères.
Sans parler de cette singularité géniale qui fait que, contrairement à un instrumentiste à vent (sauf ceux qui savent utiliser le souffle continu) , nous pouvons en même temps inspirer ET continuer à faire un son, ce qui n’est pas dans nos habitudes : dans la vie, nous inspirons avant de parler par exemple….
On peut aussi évoquer les difficultés techniques qui tendent à nous ralentir ou à provoquer des accents sur des notes qui ne le demandent pas, cet archet qui s’arrête pour laisser du temps à la main gauche (la pire des solutions, bien sûr!) ne nous facilitent rien ! …
Bref, jouer d’un instrument à cordes est source d’un nombre de quiproquos assez important. Et tout ceci tend à déstabiliser notre rythme.

Ce qui est explicité étant déjà à moitié résolu, nous solfierons beaucoup notre texte à voix haute et en battant la mesure pour avoir une notion très claire des temps forts et des temps faibles et de la forme générale. Il nous faut absolument un modèle solide pour pouvoir contrecarrer les problèmes techniques évoqués ci-dessus ou déjà, dans un premier temps, simplement en prendre conscience au moment de passer à l’instrument.

Nous continuerons à dire notre texte intérieurement tout en jouant. Nous resterons bien sûr d’une vigilance totale et sans illusion face au fait que notre bras (droit, particulièrement!) essaiera de nous tromper de toutes les façons possibles pour nous faire penser qu’il est plus fort en rythme que nous! Je le trouve particulièrement roué sur le sujet !

J’insiste sur le fait de battre la mesure : Taper la pulsation peut nous donner une idée de la régularité mais ne nous aidera jamais, contrairement à la battue de la mesure, à comprendre la structure interne de ce que l’on veut jouer et ses différences d’appuis selon les temps. Le geste de la battue nous éclaire sur les appuis et sur le fait que nos gestes ne font pas du surplace mais vont au contraire toujours vers la suite du texte, portés par ces jalons de relief donnés par le bras et l’importance différente des temps d’une même mesure. Le geste de la battue de la mesure à deux temps, trois temps ou quatre temps est tellement explicite ! Les appuis et les légèretés se font tous seuls grâce au geste traditionnel convenu si on laisse le corps s’amuser de ce mouvement.

D’autre part, notre bras qui bat la mesure pour trouver un geste fluide, rythmique et musical gardera probablement cela en mémoire au moment de prendre l’archet.

On n’oubliera pas non plus, tout en continuant à dire notre texte à voix haute, de travailler la main gauche seule en la tapant, ou l’archet seul sur cordes à vides.

Bien sûr, cela fait du pain sur la planche mais… on l’a voulu, non ?!

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Tout notre travail d’instrumentiste à cordes est basé sur la rectification. Notre plus grande habileté sera de faire cette rectification le plus vite possible pour qu’elle soit inaudible. Mais, elle existe :
La justesse de chacune de nos notes passe par là pour que la hauteur soit exactement et à chaque instant celle qui convient en fonction de la succession des notes, aussi bien verticalement qu’horizontalement. Autrement dit, sur notre instrument non tempéré, comme nous le savons, la justesse dépend du contexte et n’est donc pas toujours la même… Nous ne pouvons pas toujours être d’accord avec la conception immobile de la justesse que nous propose l’accordeur!

De même, pour la qualité du son, notre oreille nous indique comment rééquilibrer le poids à chaque centimètre de la baguette pour que le son corresponde à notre intention. Le dosage du poids, de la vitesse et de la place de l’archet entre touche et chevalet sera également toujours remis en question à chaque seconde selon la corde sur laquelle on joue, la position dans laquelle on est, que ce soit dans le but d’avoir un son égal ou dans celui d’avoir une nuance cohérente.

Bref, nous sommes en permanence sur un fil instable et nous devons créer de la continuité malgré tout.

Il peut être très inconfortable de sentir qu’à chaque instant, nous ne faisons plus ce qu’il faudrait faire !!! Le son que nous venons de produire sur la corde de Do en première position devient très inaudible en 6e position sur celle de La si nous ne changeons pas la plupart des paramètres de la gestion de notre archet ! Ce Mi qui allait si bien avec ce La s’avère faux avec un Sol !!! Ce Fa# parfait dans ce mouvement Majeur à la ligne 3, 5e mesure, devient très douteux dans sa partie mineure en haut de la 2e page, si je ne le transforme pas…
C’est notre quotidien : nous savons que tout est à remettre en cause en permanence. Nous n’avons aucun moment de tranquillité… Je ne sais pas comment nous supportons cela mais c’est aussi pour cela qu’un instrument à corde est aussi passionnant. Nous surfons sur la vague avec le désir d’un équilibre toujours remis en cause. Pas de repos ! Jamais !

Le problème de l’erreur n’est pas très loin de ce premier sujet, surtout si nous n’avons pas encore beaucoup d’années de travail derrière nous. En cas d’erreur, notre premier réflexe nous poussera souvent à paniquer et à nous figer au lieu de nous couler dans la fluidité qui permettra de comprendre tranquillement (et donc rapidement!) ce qu’il faut faire pour revenir sur le droit chemin sans abîmer un trop grand nombre de notes.
Il me semble utile de réserver des temps privilégiés à ce travail en lien avec l’erreur de façon à ce que notre cerveau puisse comprendre et s’habituer au processus de rectification et, ainsi, ne pas créer inutilement du stress et du désordre. Une partition que nous ne possédons pas encore assez bien nous confronte à une pléthore de problématiques que nous ne pourrons surmonter que progressivement. Si nous voulons vraiment travailler la possibilité d’être détendu malgré les inévitables erreurs, il vaut certainement mieux le faire sur une partition simple que nous maîtrisons bien. Nous pourrons ainsi discerner avec plus de pertinence comment penser et comment agir. Dans un premier temps, en cas d’erreur, on s’arrêtera de façon à faire le point : c’était trop aigu, la place d’archet n’était pas bonne, ce n’est pas le bon doigt, la bonne position, le bon rythme …. ou un quelconque autre problème. Et l’on recommencera le passage après avoir explicité ce que nous devions faire. Puis progressivement, ayant appris à rester calme malgré la faute, on pourra agir sans s’arrêter, en étant capable de rectifier le tir avec la note suivante. L’erreur ne sera plus qu’une erreur au lieu d’être un cataclysme…

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A nouveau pour rendre nos oreilles toujours plus virtuoses :

Je vous conseille vivement de faire cet exercice qui obligera votre cerveau à rester extrêmement vigilant. Il s’agit de chanter une gamme très tranquillement tout en tenant en bourdon la tonique de cette gamme avec le violoncelle. On ne cherchera pas particulièrement à avoir une pulsation mais on partira du principe qu’on ne passera à la note suivante que lorsqu’on aura entendu quelque chose de parfaitement en adéquation entre le violoncelle et la voix. Il est plus facile de comprendre ce qu’est la justesse avec ce travail. On repérera en effet plus aisément si nos 2 notes sont vraiment en phase ou bien provoquent un résultat de justesse un peu flou. Nos oreilles sont obligées de travailler avec l’écoute des 2 sons ET avec l’écoute du résultat.
Cela demande sans aucun doute une grande concentration mais c’est un peu un exercice méditatif également ! Notre action consiste à prendre le temps d’entendre ce que l’on produit mais avec une acuité différente de celle des exercices de la semaine dernière. On écoute aujourd’hui les ondes sonores et leur concordances.

Vos pouvez travailler ceci sur différentes gammes, chacune ayant ses caractéristiques.

Chanter en même temps que jouer est éminemment agréable et votre son au violoncelle s’en trouvera plus ouvert.

Plus difficile (vraiment !! Pratiquement de la haute voltige !! ) Inverser les voix : tenez la tonique avec la voix et monter la gamme au violoncelle. Il est alors assez difficile de tenir la voix sur une seule note tout en écoutant les notes du violoncelle mais .. cela vaut le coup !

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Nos oreilles sont souvent assez paresseuses et se contentent la plupart du temps de ne nous informer que de ce que nous attendions sans être suffisamment curieuses de ce qu’elles peuvent nous faire entendre réellement.
Essayons un petit exercice qui leur donnera peut-être l’envie d’être davantage « à l’écoute » :

Plaçons notre premier doigt au tout début d’une de nos cordes et glissons le plus lentement possible, en appuyant a minima, jusqu’au plus près du chevalet.
Il faudra déjà, dans un premier temps apprendre à gérer l’action différente de nos 2 mains. La main gauche va le plus lentement possible et sans appuyer sur la corde et notre main d’archet va vouloir faire la même chose alors que son rôle est de trouver la BONNE vitesse pour que le son puisse se développer. Elle voudra rendre l’archet très léger, alors que son rôle est de lui faire trouver le BON appui sur la corde pour que le son puisse se déployer.
Ceci est le premier travail…

Maintenant, en glissant, nous distinguons d’abord un certain nombre d’harmoniques qui vont apparaître tout au long de la corde. Certaines que nous connaissons bien, d’autres que nous ne pratiquons pas beaucoup. Je serais prête à parier que vous allez déplacer votre main gauche de note harmonique en note harmonique ! Mais… si vous preniez le temps d’écouter ce qui se passe ENTRE elles? Il y a bien du SON entre ces harmoniques ? Certes, pas vraiment des notes, mais pourquoi éliminer toute cette richesse que votre instrument vous donne ? Vous allez distinguer peu à peu, des sons troublés, des sortes de doubles harmoniques, des chuchotements, des souffles, des bruits de cailloux qui roulent, des presque riens mais qui sont là … Cela donne envie de s’attarder de plus en plus et d’écouter toute ce langage que le violoncelle nous propose.
D’une corde à l’autre, les mondes à découvrir seront d’ailleurs différents, la personnalité du La, du Ré, du Sol et du Do plus distincte.
Vos oreilles vont, je l’espère, s’émerveiller de tout ce qui leur était encore inconnu. Cela enrichira également par la suite vos « beaux sons » parce que vous serez plus attentif au moindre petit détail que vous ne distinguiez pas auparavant et que vous pourrez alors développer.

Et puis, cela oblige à prendre son temps, ce qui est toujours une bonne chose…

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